BIO
BIO
Akira Ikezoe

Akira Ikezoe es un artista neoyorquino nacido en Kochi, Japón. Ikezoe crea obras en diversas disciplinas, incluyendo el dibujo, la pintura, el vídeo y la performance, en relación con el equilibrio entre las fuerzas que consideramos externas y la "civilizatorias" de nosotros mismos. En las obras de Ikezoe, las figuras humanas presentadas como su alter ego y varios objetos de su entorno se entrelazan en un contexto metafísico y mitológico que representa un punto de fusión intemporal entre las fronteras humanas y naturales. Entre sus exposiciones individuales figuran A veces hay que bajar para poder subir (Proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala); Coconut Heads (Brennan and Griffin, NYC); el fin del este coincide con el fin del sur (Proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala); Drawing (Ise Cultural Foundation, NYC); Repeater (Sanagi Fine Arts, Tokio) y Ephemeral Garden (Esso Gallery, NYC). Después de graduarse en grabado en la Universidad de Arte Tama en 2003, Ikezoe recibió el Premio de la Galería Tomio Koyama y el Premio de la Galería Naruyama en el GEISAI #10 en 2006, el Premio Tequila 1800 en la ZONA MACO en 2015 y la Beca de la Fundación Pollock-Krasner en 2016 y 2020. Actualmente, Ikezoe es miembro del Programa de Estudios de la Elizabeth Foundation for the Arts.

Sitio web

Karina Aguilera

Karina Aguilera Skvirsky es una artista multidisciplinar que trabaja principalmente con fotografía, video y performance. Actualmente es Profesora Asociada de Arte en Lafayette College, Easton, PA. De manera regular trabaja en exposiciones individuales y colectivas, ha participado en bienales como en la de Cuenca, comisariada por Dan Cameron (2016) o en la de São Paulo (2010). Ha sido beneficiaria de numerosas residencias y becas. Actualmente está produciendo"Cómo construir un muro y otras ruinas" gracias a la beca obtenida en 2019 por parte de Creative Capital. Su obra se puede ver en ferias como, ARCO Madrid, NADA Miami o PArc Lima, a donde acude regularmente con las galerías que la representan. Su obra forma parte de importantes colecciones como la Urbes Mutantes, el Whitney Museum of American Art, el SFMOMA el Art Institute of Chicago, así como numerosas colecciones privadas

En uno de los dibujos de Outside in, un hombre yace boca abajo en un campo de hierba, las colinas verde y marrón se encuentran con el cielo grisáceo en el punto medio de la página. Sus codos están ligeramente doblados y en sus costuras se han abierto para revelar un patrón de cebra en blanco y negro. El hombre patea sus piernas al aire, sus pies se han convertido en cabezas de cebra, las rayas blancas y negras se extienden por sus piernas. En dos fotos de su ciudad natal de Kochi, Japón, Akira describe la arquitectura humana engullida por la naturaleza: cubierta de barro, cubierta de hierbas, sus funciones son borradas por otros procesos. Me dice, "Japón tuvo un gran terremoto en 2011 y eso me hizo pensar que hay conflictos entre la cultura y la naturaleza que nos rodea... pero, también, pensé que el mismo tipo de conflictos existen dentro de los cuerpos humanos". Cuando nos mezclamos de humano a árbol, cuando nuestros cuerpos atraviesan cebras, hay un ablandamiento de los bordes. "Creo que no hay una línea divisoria clara entre el hombre y la naturaleza." Este ablandamiento borra los binarios firmes y las categorías inflexibles de conocimiento, dejando entrar al exterior. En este espacio más suave, las cosas pueden ser más de una cosa, pueden moverse suavemente en ambigüedades porosas, se asientan en borrones y fluideces. Akira tiene una práctica diaria de dibujo donde una imagen se convierte en la estructura de la siguiente, cada una girando en situaciones surreales a partir de las marcas del dibujo de ayer. El sentido narrativo es menos significativo que la continuidad, la cola del relato se rehace en recuentos (¡nuevas colas!) que dejan que las formas visuales dirijan la historia.

Recientemente, Akira ha estado haciendo su propia taxonomía de las colecciones de los museos; toma capturas de pantalla de toda la colección en línea del MoMA, y luego archiva cada imagen en su propio sistema de carpetas, borrando la organización de la lógica canonizadora del museo. En la taxonomía de Akira, las categorías están ordenadas por lo que ve en la obra: En su carpeta Naturaleza, subcarpeta Animales, incluye peces y criaturas marinas, cocodrilos, ranas, otros insectos, muerte, burros, animales rebeldes. Es una ambiciosa recatalogación, un proyecto que llevará años. A partir de esta taxonomía, hace una serie de pinturas de Cabezas de Coco: aquí, sus icónicas Cabezas de Coco interrumpen, entrelazan, penetran en las obras de arte de varios museos. Akira proporciona documentos PDF, el catálogo de imágenes para el amplio campo de referencias de cada pintura. En esta taxonomía, la función de creación de significado del museo se desvanece, y la colección se convierte en un sitio de otras imaginaciones. Estas intrusiones salvajemente irreverentes y curiosas en la historia del arte empujan a los originales a comprometerse con el universo de tonterías de Akira, una narración en forma de diagrama de flujo que es tanto un cadáver exquisito como un cuento para un niño reacio a dormir, un cuento/cola/cuento que conduce intuitivamente a otro y a otro. Los límites se desdibujan. Invirtiendo la lógica del proyecto de taxonomía, Akira hace una serie de pinturas a partir de diagramas y diagramas de flujo: sus esquemáticos materiales de origen incluyen dibujos para tres tipos de centrales eléctricas, el sistema educativo en Vietnam, las predicciones del mercado de valores, un sistema de vigilancia meteorológica, un flujo de trabajo corporativo. La geometría de los diagramas, despojados de información, se convierten en las directivas para una serie de desventuras de Cabezas de Coco. "Mis historias son como efectos de dominó", dice. Una cosa sucede y luego todo lo demás cae en una secuencia reactiva, guiada sólo por las flechas y cajas preexistentes. En el universo paralelo de Akira, un sistema de lógica es el gemelo de lo aparentemente ilógico; las instrucciones para los sistemas se convierten en caminos hacia los cuentos de hadas, y no es eso un generoso ablandamiento de cómo "funciona" el mundo.

Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit. Suspendisse varius enim in eros elementum tristique. Duis cursus, mi quis viverra ornare, eros dolor interdum nulla, ut commodo diam libero vitae erat. Aenean faucibus nibh et justo cursus id rutrum lorem imperdiet. Nunc ut sem vitae risus tristique posuere.

Hellen Ascoli writes—about weaving and translation—"To let my body be the place where tension meets the ground," and I imagine a lightning rod connecting languages, pulling threads. She combs, she rakes, she draws an exhibition with neon tapes across her backyard, she stacks two tree limbs in an embrace. I spend my pandemic mornings in the sand of a barren yard in the Great Plains in isolation, and the grit powders my skin and gets into my teeth. We write each other letters. Manal Abu-Shaheen sends me a cyanotype she makes, of the ship that brought her great-grandfather to Ellis Island in 1907. She sends a photograph of the sun dunking into the sea beside Beirut. We talk about the failure of language to account for the distance between here and there, especially in these anguished weeks since the explosion. Her photographs of that city were already moving indoors, but now, isolating in New York, she imagines the intimacy of photographing her friends in their homes, indoors, together. The imagining is about closeness, about touch, about longing and what is no longer here, about having a coffee and telling the stories of this particular year. Thuy-Van Vu describes how her father would plant patches of green, plants and flowers, in the sun-bleached yard of his home in Phoenix, Arizona, and how they would always die under the summer sun there. We talk about things that couldn’t be said in words. “This is the idea of a house my father built,” writes poet Diana Khoi Nguyen. Plants now cover every surface of her Seattle office and home; she feels guilty for letting one of them expire for a painting. She sends photographs from a trip to Vietnam: modest sandals in a glass case at the Museum of Fine Arts in Ho Chi Minh City are marked with dirt from an artist’s day of work. A boy sands a carved Buddha, and the wood gradually changes tones. A typed list of “useful phrases for emergencies” in Vietnamese includes “Don’t shoot!” Photographs of a helicopter made of woven grasses and a broken wooden sculpture of a tank are local thrift store finds, imported from Vietnam.

1
3d anatomy rendering, brain, 2010, stockphoto
2
Representation of the trunk and its organs. From the Hua Tuo Xuanmen Neizhao Tu , Hua Tuo's Images for Internal Visualisation According to the Mystery School), imprint published by Sun Huan in 1273 . This version of the Hua Tuo Xuanmen Neizhao Tu incorporates images of the viscera drawn by the doctor Yang Jie ( fl. 12th century), styled Jilao , in his Cunzhen Huanzhong Tu (1118).chinese, circa 1100
4
Organs of the gastrointestinal system, Bartolommeo Eustachi, 1564
5
Kaishi Hen (Analysis of Cadavers), an anatomical atlas from the dawn of experimental medicine in Japan, published in Kyoto in 1772. The book details, in exquisite woodcut illustrations by Aoki Shukuya (d. 1802), the experiments and findings of Kawaguchi Shinnin (1736-1811), Edo-period Japan, 1603-1868
7
digestive system, Verheyen, flemish, Corporis Humani Anatomia, 1710
8
Kaishi Hen (Analysis of Cadavers), an anatomical atlas from the dawn of experimental medicine in Japan, published in Kyoto in 1772. The book details, in exquisite woodcut illustrations by Aoki Shukuya (d. 1802), the experiments and findings of Kawaguchi Shinnin (1736-1811). Edo-period Japan, 1603-1868
9
3d anatomy rendering, digestive system, 2011, stockphoto
10
3d anatomy rendering, brain, eye, 2010, stockphoto
11
Wilhem ten Rhyne 'Dissertatio de Arthritide: Manissa Schematica: de Acupunctura', Dutch,17th century. Original first-hand published account of eastern medicine and introduced the western world to the concept of acupuncture, 1683