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Generalización es la primera exposición individual de la artista Tania Pérez Córdova (Ciudad de México, 1979) en una institución nacional, e incluye una selección de obras realizadas durante los últimos diez años de su producción artística, así como obras comisionadas especialmente para esta exhibición. La muestra propone una lectura de la práctica de Pérez Córdova a través de los temas que ella misma ha abordado: el paso del tiempo, la naturaleza de los materiales, la mirada del otro, la inminencia o posibilidad de una acción, la forma en que asignamos valor a los objetos, el espacio negativo, y, más recientemente, la insuficiencia del discurso.

Utilizando principalmente materiales asociados con las prácticas escultóricas tradicionales —como el metal, la cerámica, el yeso, el vidrio y el mármol—, su obra interactúa con objetos cotidianos —ropa, joyería, cigarros, o lentes de contacto—, los cuales guardan una relación íntima con el cuerpo humano. A la par de sus piezas escultóricas, Generalización incluye un programa de acciones performáticas que se desarrollan de manera aleatoria y casi imperceptible dentro de las salas del museo, estableciendo así relaciones entre la acción y el objeto, en las que la especulación y la posibilidad son el centro gravitacional de la obra. Uno de los ejes transversales de su producción es la idea de que los objetos no son sino eventos que acontecen en otras temporalidades y a diferentes escalas; las cosas no son, sino suceden. Dentro de este marco de pensamiento, el tiempo geológico, la mente del vecino, o el mundo microscópico, se convierten en variables de la obra artística.

Las composiciones y dinámicas que conforman el carácter conceptual de la obra de Pérez Córdova apuntan, de manera poética, hacia lugares que exceden a los objetos mismos y al espacio que los alberga. Además de parafrasear relatos que nos resultan familiares, estas piezas revelan el potencial de las narrativas abiertas, que no determinan la experiencia del espectador. Por el contrario, permiten, por un lado, que una historia pueda tener implicaciones personales y profundas para quien observa, y por el otro, que éste pueda imaginar aquello que sucede más allá de su propia experiencia: una oscilación entre la especificidad y la generalización.

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La relación entre lo desconocido y lo accidental juega un papel importante en la obra de Pérez Córdova. A través de una serie de encuentros fortuitos, la artista reprodujo el estampado del vestido de una mujer desconocida, en la superficie de un jarrón de cerámica. Ocasionalmente, una persona que porta este vestido pasea por el espacio, activando un diálogo entre el objeto y su doble. La posibilidad de este encuentro es tan esencial para la pieza como el encuentro mismo. La escultura funciona como preludio de un acontecimiento que ocurre en cualquier momento; un déjà vu, un recuerdo lejano o una premonición.

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Miopía, 2020 mapea la relación entre el gesto de escarbar la tierra y la marca que de ello resulta en el paisaje. La artista realizó una serie de moldes de los hoyos que cavó en un terreno, y que posteriormente transformó en cuerpos escultóricos. Estos elementos residuales que resultaron de la interacción entre el cuerpo de la artista y el espacio, describen una constelación en la que el vacío generado por sustracción adquiere una forma visible.

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Tania Pérez Córdova ha estudiado la forma en que se mide el tiempo, cómo se experimenta, y la manera en que dicha experiencia es contingente a una serie de factores externos que, sin embargo, se relacionan con el propio concepto de tiempo. En 1:33 pm, y 1:34 pm, 2022, la artista encapsula dentro de unos vidrios un conjunto de objetos residuales como cáscaras de plátanos, notas, envolturas, papeles, plantas, pelusa, insectos muertos encontrados, migajas de pan, entre otros. Las relaciones que se establecen entre los distintos elementos forman una composición construida como un díptico, que nos lleva a imaginar el desarrollo casi cinematográfico de una narrativa que tiene lugar entre un minuto u otro.

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Estos contornos de bronce, comisionados por el Museo Tamayo para esta exposición, actúan como ecos de memorias personales y colectivas que la artista ha ido recopilando a lo largo de los años. Sus formas se dibujan directamente en la arena de fundición y su forma registra cada derrame del material. Con títulos como Ese negocio quebró, 2022 o Memoria de un cuarto, 2022, esta serie refleja la relación entre el interior y el exterior, el espacio público y el privado, e involucra la mirada del espectador al activar nuevas relaciones narrativas a través de detalles arquitectónicos que son a la vez ambivalentes y ordinarios.

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Pérez Córdova ha demostrado un interés por establecer relaciones entre el discurso y la materia, en las que los líquidos operan como una metáfora de la manera en que las cosas adquieren una forma. Todas nuestras explicaciones, 2022 se compone de una serie de moldes de cabezas humanas –todas ellas retratos anónimos tomados de un banco de imágenes 3D– que, en algunos casos, la artista llena con agua y posteriormente congela. Al descongelarse el hielo en la sala, el goteo del agua revela el espacio negativo de los moldes como si se tratara de un repositorio de la mente. Al mismo tiempo, el sonido de las gotas al caer, es otra forma de contar el tiempo.

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Los lentes de contacto han sido un elemento alegórico en la obra de Pérez Córdova y sugieren, por un lado, que un objeto puede agudizar la mirada y, por el otro, que el objeto en sí mismo puede tener una relación específica con quien lo usa –en este caso a través del color o de la gra- duación del pupilente. Al dejar los lentes suspendidos en una solución acuosa dentro de las cavidades de una superficie de mármol, la artista consigue generar una multiplicidad de puntos de vista que coexisten en un espacio escultórico. La pieza se completa al encontrarse en la mirada del otro, cuando identificamos en la sala del museo a algunos de los visitantes que portan un pupilente de color distintos al color de sus propios ojos y complementario a los pupilentes en la escultura.

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En Un discurso de 5200 palabras, 2022, la artista utiliza un material líquido –en este caso la saliva artificial como una metáfora de la producción del habla, y como un agente material que tiene la capacidad de describir o representar una situación dada.

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En el proceso escultórico de crear “objetos en sí mismos” la artista se dedicó a hacer objetos por medio de deshacerlos. Todo comenzó con una trompeta de latón que Pérez Córdova le compró a un hombre que tocaba en la calle, con la que produjo un molde del objeto, luego cortó la trompeta en pedazos, la derritió y la volvió a verter en su propio molde. El resultado fue inquietante, en palabras de la artista “un objeto que de alguna manera sigue siendo el mismo, pero que al mismo tiempo es otra cosa completamente distinta”. Esta serie continuó con otros objetos metálicos hechos de un solo material, como un techo corrugado (Un techo en un techo, 2018) y fragmentos de rejas metálicas (Una reja en una reja 1, Una reja en una reja 2, Una reja en una reja 3, Una reja en una reja 4, 2022). Como versión de sus propias formas anteriores, todos estos objetos se convirtieron en agentes poéticos, mapas de todo lo que se pierde o se modifica en el proceso de reconstitución, un proceso que conduce a la desaparición, al deshacer mientras se hace.

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Giro de 10 minutos, 2014/2022, es una obra inspirada en la figura del metrónomo —un dispositivo que sirve para marcar el ritmo en la música y que puede adaptarse a distintos tiempos—. La artista interviene un ventilador para retrasar el ritmo al que éste se mueve. Más allá de cancelar la función de un objeto cotidiano, Pérez Córdova lleva a cabo una intervención en el espacio que le permite insertar un valor de tiempo dentro de otro.

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Como gran parte de la obra de Pérez Córdova, esta serie partió de una situación cotidiana que evolucionó hacia una metodología de producción. La artista decidió quitar todas las ventanas de su estudio y las llevó a un taller dónde manipuló los vidrios. Las narrativas inherentes al material —su historia, procedencia y ubicación—, junto con la imprevisibilidad del proceso de producción, terminaron siendo tan importantes como los objetos finales que creó. La incertidumbre en el proceso de plegado del vidrio, empujó a Pérez Córdova a pensar en la forma en relación con la gravedad, el peso y el tiempo más que con el gusto. Estas esculturas establecen un diálogo con otros elementos— un brazalete roto, un líquido jabonoso, un incienso quemándose— creando, a través de su interacción, un microcosmos narrativo. A lo largo de los años, esta serie se convirtió en comisiones institucionales en las que las ventanas de los museos se transforman en esculturas, traduciendo literalmente la característica arquitectónica de una institución de arte en su objeto de exhibición.

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El Museo Tamayo agradece el apoyo de la Fundación BBVA México para llevar esta exposición a cabo. 

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